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Die größten Hollywood-Power-Paare aller Zeiten

Elizabeth Taylor und Richard Burton
Elizabeth Taylor und Richard Burton lernten sich bei den Dreharbeiten zu Cleopatra kennen, der 1963 in die Kinos kam. Sie heirateten 1964, ließen sich 1974 scheiden, heirateten 1975 erneut und trennten sich 1976 zum zweiten Mal, was ihre Beziehung zu einer der turbulentesten und zugleich faszinierendsten Geschichten Hollywoods machte.
Gemeinsam traten sie in 11 Filmen auf, darunter The V.I.P.s, The Sandpiper, The Taming of the Shrew und Who’s Afraid of Virginia Woolf? Ihre Zusammenarbeit verband öffentliches Drama mit intensiver Leinwandpräsenz und machte sie zu einem Synonym für leidenschaftliche Starbeziehungen.
Taylor gewann zwei Oscars als beste Hauptdarstellerin für Butterfield 8 und Who’s Afraid of Virginia Woolf? Burton erhielt sieben Schauspielnominierungen, konnte jedoch keinen Oscar gewinnen. Für ihre Rollen in Who’s Afraid of Virginia Woolf? wurden beide nominiert, wobei Taylor ausgezeichnet wurde und den künstlerischen Höhepunkt ihrer Karriere erreichte.
Ihre gemeinsame Filmografie, ihre individuellen Auszeichnungsbilanzen und die weltweite Aufmerksamkeit, die ihre beiden Ehen erzeugten, sichern Taylor und Burton den ersten Platz. Sie gelten bis heute als Maßstab dafür, was ein Hollywood-Power-Paar in Bezug auf Glamour, Skandal und künstlerische Strahlkraft bedeuten kann.
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Elizabeth Taylor und Richard Burton lernten sich bei den Dreharbeiten zu Cleopatra kennen, der 1963 in die Kinos kam. Sie heirateten 1964, ließen sich 1974 scheiden, heirateten 1975 erneut und trennten sich 1976 zum zweiten Mal, was ihre Beziehung zu einer der turbulentesten und zugleich faszinierendsten Geschichten Hollywoods machte. Gemeinsam traten sie in 11 Filmen auf, darunter The V.I.P.s, The Sandpiper, The Taming of the Shrew und Who’s Afraid of Virginia Woolf? Ihre Zusammenarbeit verband öffentliches Drama mit intensiver Leinwandpräsenz und machte sie zu einem Synonym für leidenschaftliche Starbeziehungen. Taylor gewann zwei Oscars als beste Hauptdarstellerin für Butterfield 8 und Who’s Afraid of Virginia Woolf? Burton erhielt sieben Schauspielnominierungen, konnte jedoch keinen Oscar gewinnen. Für ihre Rollen in Who’s Afraid of Virginia Woolf? wurden beide nominiert, wobei Taylor ausgezeichnet wurde und den künstlerischen Höhepunkt ihrer Karriere erreichte. Ihre gemeinsame Filmografie, ihre individuellen Auszeichnungsbilanzen und die weltweite Aufmerksamkeit, die ihre beiden Ehen erzeugten, sichern Taylor und Burton den ersten Platz. Sie gelten bis heute als Maßstab dafür, was ein Hollywood-Power-Paar in Bezug auf Glamour, Skandal und künstlerische Strahlkraft bedeuten kann.
Brad Pitt und Angelina Jolie
Brad Pitt und Angelina Jolie spielten 2005 gemeinsam in der Actionkomödie Mr. & Mrs. Smith. Ihre Beziehung wurde nach der Veröffentlichung des Films öffentlich, und nach fast einem Jahrzehnt als Paar heirateten sie 2014, wodurch sie zu einem der meistbeobachteten Paare der Welt wurden.
Beide waren bereits etablierte Hauptdarsteller. Jolie hatte einen Oscar für Girl, Interrupted gewonnen, während Pitt später einen Schauspiel-Oscar für Once Upon a Time in Hollywood sowie einen Oscar als Produzent des als bester Film ausgezeichneten 12 Years a Slave erhielt und sich damit auch hinter der Kamera profilierte.
Ihr öffentliches Profil reichte weit über den Film hinaus. Jolie arbeitete mehr als 20 Jahre mit der Flüchtlingsagentur der Vereinten Nationen zusammen, zunächst als Goodwill-Botschafterin und später als Sondergesandte. Gemeinsam gründeten sie die Jolie-Pitt Foundation, die humanitäre, gesundheitliche und Naturschutzprojekte finanzierte und so ihren Einfluss auf globale Themen ausdehnte.
Jolie reichte 2016 die Scheidung ein. Ihre herausragende Präsenz im Film, ihr humanitäres Engagement und die umfassende internationale Medienberichterstattung verschaffen ihnen Platz zwei unter den größten Hollywood-Power-Paaren aller Zeiten.
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Brad Pitt und Angelina Jolie spielten 2005 gemeinsam in der Actionkomödie Mr. & Mrs. Smith. Ihre Beziehung wurde nach der Veröffentlichung des Films öffentlich, und nach fast einem Jahrzehnt als Paar heirateten sie 2014, wodurch sie zu einem der meistbeobachteten Paare der Welt wurden. Beide waren bereits etablierte Hauptdarsteller. Jolie hatte einen Oscar für Girl, Interrupted gewonnen, während Pitt später einen Schauspiel-Oscar für Once Upon a Time in Hollywood sowie einen Oscar als Produzent des als bester Film ausgezeichneten 12 Years a Slave erhielt und sich damit auch hinter der Kamera profilierte. Ihr öffentliches Profil reichte weit über den Film hinaus. Jolie arbeitete mehr als 20 Jahre mit der Flüchtlingsagentur der Vereinten Nationen zusammen, zunächst als Goodwill-Botschafterin und später als Sondergesandte. Gemeinsam gründeten sie die Jolie-Pitt Foundation, die humanitäre, gesundheitliche und Naturschutzprojekte finanzierte und so ihren Einfluss auf globale Themen ausdehnte. Jolie reichte 2016 die Scheidung ein. Ihre herausragende Präsenz im Film, ihr humanitäres Engagement und die umfassende internationale Medienberichterstattung verschaffen ihnen Platz zwei unter den größten Hollywood-Power-Paaren aller Zeiten.
Michael Douglas und Catherine Zeta-Jones
Michael Douglas und Catherine Zeta-Jones lernten sich 1998 kennen und heirateten im November 2000. Sie haben zwei gemeinsame Kinder und gehören seit Jahrzehnten zu den beständigsten prominenten Paaren Hollywoods, auch wenn ihre Beziehung zwischendurch auf die Probe gestellt wurde.
Douglas gewann einen Oscar als Produzent von One Flew Over the Cuckoo’s Nest und einen weiteren für seine Darstellung in Wall Street. Zu seinen wichtigsten Filmen zählen außerdem Romancing the Stone, Fatal Attraction, Basic Instinct und Traffic, mit denen er sich als führender Star komplexer Thriller und Dramen etablierte.
Zeta-Jones wurde durch The Mask of Zorro, Entrapment und Traffic zum internationalen Star. Sie gewann den Oscar als beste Nebendarstellerin für ihre Rolle in Chicago und zeigte damit, dass sie sowohl im Actionkino als auch im Musical-Genre überzeugen kann.
Das Paar trennte sich 2013 vorübergehend, fand jedoch wieder zueinander. Ihre gemeinsame Auszeichnungsbilanz, ihre Erfolge an den Kinokassen und eine Ehe, die inzwischen mehr als 25 Jahre umfasst, verhelfen ihnen zu Platz drei in diesem Ranking.
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Michael Douglas und Catherine Zeta-Jones lernten sich 1998 kennen und heirateten im November 2000. Sie haben zwei gemeinsame Kinder und gehören seit Jahrzehnten zu den beständigsten prominenten Paaren Hollywoods, auch wenn ihre Beziehung zwischendurch auf die Probe gestellt wurde. Douglas gewann einen Oscar als Produzent von One Flew Over the Cuckoo’s Nest und einen weiteren für seine Darstellung in Wall Street. Zu seinen wichtigsten Filmen zählen außerdem Romancing the Stone, Fatal Attraction, Basic Instinct und Traffic, mit denen er sich als führender Star komplexer Thriller und Dramen etablierte. Zeta-Jones wurde durch The Mask of Zorro, Entrapment und Traffic zum internationalen Star. Sie gewann den Oscar als beste Nebendarstellerin für ihre Rolle in Chicago und zeigte damit, dass sie sowohl im Actionkino als auch im Musical-Genre überzeugen kann. Das Paar trennte sich 2013 vorübergehend, fand jedoch wieder zueinander. Ihre gemeinsame Auszeichnungsbilanz, ihre Erfolge an den Kinokassen und eine Ehe, die inzwischen mehr als 25 Jahre umfasst, verhelfen ihnen zu Platz drei in diesem Ranking.
Ben Affleck und Jennifer Lopez
Ben Affleck und Jennifer Lopez begannen ihre Beziehung nach den Dreharbeiten zur 2003 erschienenen romantischen Komödie Gigli. Ihre Verlobung und die intensive mediale Begleitung brachten ihnen den Spitznamen Bennifer ein, eines der ersten prominenten Portmanteaus, das breite Verwendung fand und den Umgang der Klatschpresse mit Promipaaren prägte.
Ihre erste Verlobung lösten sie 2004, bevor sie sich 2021 wieder zusammenfanden und 2022 heirateten. Lopez reichte im August 2024 die Scheidung ein, die 2025 von einem Richter rechtskräftig gemacht wurde, womit ein viel beachtetes Kapitel moderner Promi-Geschichte offiziell endete.
Affleck gewann Oscars für das Drehbuch zu Good Will Hunting und als Produzent des als bester Film ausgezeichneten Argo. Lopez spielte Hauptrollen in Filmen wie Selena, Out of Sight, The Wedding Planner, Maid in Manhattan und Hustlers, während sie parallel eine erfolgreiche Musikkarriere verfolgte und so zu einem globalen Multitalent aufstieg.
Ihre hohe Platzierung spiegelt das Ausmaß und die Dauer des öffentlichen Interesses an ihrer Beziehung wider, einschließlich der breiten Berichterstattung nach ihrem Wiederzusammenfinden fast zwei Jahrzehnte später. Kaum ein anderes Paar steht so sehr für das Zusammenspiel aus Romantik, Medienhype und Comeback-Narrativen.
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Ben Affleck und Jennifer Lopez begannen ihre Beziehung nach den Dreharbeiten zur 2003 erschienenen romantischen Komödie Gigli. Ihre Verlobung und die intensive mediale Begleitung brachten ihnen den Spitznamen Bennifer ein, eines der ersten prominenten Portmanteaus, das breite Verwendung fand und den Umgang der Klatschpresse mit Promipaaren prägte. Ihre erste Verlobung lösten sie 2004, bevor sie sich 2021 wieder zusammenfanden und 2022 heirateten. Lopez reichte im August 2024 die Scheidung ein, die 2025 von einem Richter rechtskräftig gemacht wurde, womit ein viel beachtetes Kapitel moderner Promi-Geschichte offiziell endete. Affleck gewann Oscars für das Drehbuch zu Good Will Hunting und als Produzent des als bester Film ausgezeichneten Argo. Lopez spielte Hauptrollen in Filmen wie Selena, Out of Sight, The Wedding Planner, Maid in Manhattan und Hustlers, während sie parallel eine erfolgreiche Musikkarriere verfolgte und so zu einem globalen Multitalent aufstieg. Ihre hohe Platzierung spiegelt das Ausmaß und die Dauer des öffentlichen Interesses an ihrer Beziehung wider, einschließlich der breiten Berichterstattung nach ihrem Wiederzusammenfinden fast zwei Jahrzehnte später. Kaum ein anderes Paar steht so sehr für das Zusammenspiel aus Romantik, Medienhype und Comeback-Narrativen.
Humphrey Bogart und Lauren Bacall
Humphrey Bogart und Lauren Bacall lernten sich bei den Dreharbeiten zu To Have and Have Not kennen, Bacalls erstem Film, der 1944 in die Kinos kam. Sie heirateten 1945 und blieben bis zu Bogarts Tod im Jahr 1957 zusammen, wodurch ihre Ehe zu einem zentralen Kapitel der klassischen Hollywood-Ära wurde.
Das Paar drehte drei weitere gemeinsame Filme: The Big Sleep, Dark Passage und Key Largo. Die Academy beschrieb ihre Beziehung als „reale Liebesgeschichte“, die weltweit Schlagzeilen machte, und betonte zugleich, dass ihre Ehe ihre Leinwandchemie in keiner Weise minderte, sondern vielmehr zu einem Markenzeichen machte.
Bogart gewann den Oscar als bester Hauptdarsteller für The African Queen, während Bacall noch jahrzehntelang in Film und Theater arbeitete und 2009 einen Ehrenoscar erhielt. Beide wurden so zu dauerhaften Symbolfiguren des klassischen Hollywood-Kinos, deren Einfluss weit über ihre gemeinsame Filmografie hinausreicht.
Ihre vier gemeinsamen Filme und die anhaltende Verbindung mit Hollywoods Goldener Ära sichern ihnen den fünften Platz. Bis heute gelten Bogart und Bacall als Archetyp des glamourösen, aber zugleich authentischen Starpaares.
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Humphrey Bogart und Lauren Bacall lernten sich bei den Dreharbeiten zu To Have and Have Not kennen, Bacalls erstem Film, der 1944 in die Kinos kam. Sie heirateten 1945 und blieben bis zu Bogarts Tod im Jahr 1957 zusammen, wodurch ihre Ehe zu einem zentralen Kapitel der klassischen Hollywood-Ära wurde. Das Paar drehte drei weitere gemeinsame Filme: The Big Sleep, Dark Passage und Key Largo. Die Academy beschrieb ihre Beziehung als „reale Liebesgeschichte“, die weltweit Schlagzeilen machte, und betonte zugleich, dass ihre Ehe ihre Leinwandchemie in keiner Weise minderte, sondern vielmehr zu einem Markenzeichen machte. Bogart gewann den Oscar als bester Hauptdarsteller für The African Queen, während Bacall noch jahrzehntelang in Film und Theater arbeitete und 2009 einen Ehrenoscar erhielt. Beide wurden so zu dauerhaften Symbolfiguren des klassischen Hollywood-Kinos, deren Einfluss weit über ihre gemeinsame Filmografie hinausreicht. Ihre vier gemeinsamen Filme und die anhaltende Verbindung mit Hollywoods Goldener Ära sichern ihnen den fünften Platz. Bis heute gelten Bogart und Bacall als Archetyp des glamourösen, aber zugleich authentischen Starpaares.
Tom Holland und Zendaya
Tom Holland und Zendaya standen erstmals in Spider-Man: Homecoming aus dem Jahr 2017 gemeinsam vor der Kamera. Sie kehrten für Spider-Man: Far From Home, Spider-Man: No Way Home und Spider-Man: Brand New Day zurück, wodurch sie zu einem der bekanntesten Leinwandpaare des modernen Superheldenkinos wurden.
Außerhalb der Franchise spielte Zendaya eine zentrale Rolle in den Dune-Filmen und in Challengers, während Holland die Hauptrolle in der Videospielverfilmung Uncharted übernahm. Zendaya gewann außerdem zwei Emmy Awards für ihre Darstellung in Euphoria, der HBO-Serie, die ihren Status als eine der prägendsten Schauspielerinnen ihrer Generation untermauerte.
In Kombination mit ihrem aktuellen kommerziellen Erfolg in diesem Jahr sichert ihnen dies Platz sechs im Ranking, auch wenn ihr langfristiger Stellenwert von der weiteren Entwicklung ihrer Karrieren abhängen wird. Ihr noch vergleichsweise kurzer gemeinsamer Weg lässt Spielraum für einen möglichen Aufstieg in künftigen Ranglisten.
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Tom Holland und Zendaya standen erstmals in Spider-Man: Homecoming aus dem Jahr 2017 gemeinsam vor der Kamera. Sie kehrten für Spider-Man: Far From Home, Spider-Man: No Way Home und Spider-Man: Brand New Day zurück, wodurch sie zu einem der bekanntesten Leinwandpaare des modernen Superheldenkinos wurden. Außerhalb der Franchise spielte Zendaya eine zentrale Rolle in den Dune-Filmen und in Challengers, während Holland die Hauptrolle in der Videospielverfilmung Uncharted übernahm. Zendaya gewann außerdem zwei Emmy Awards für ihre Darstellung in Euphoria, der HBO-Serie, die ihren Status als eine der prägendsten Schauspielerinnen ihrer Generation untermauerte. In Kombination mit ihrem aktuellen kommerziellen Erfolg in diesem Jahr sichert ihnen dies Platz sechs im Ranking, auch wenn ihr langfristiger Stellenwert von der weiteren Entwicklung ihrer Karrieren abhängen wird. Ihr noch vergleichsweise kurzer gemeinsamer Weg lässt Spielraum für einen möglichen Aufstieg in künftigen Ranglisten.
Bruce Willis und Demi Moore heirateten 1987 und ließen sich im Jahr 2000 scheiden. Sie haben drei gemeinsame Töchter und blieben auch nach dem Ende ihrer Ehe eng miteinander verbunden, was sie zu einem Beispiel für eine öffentlich sichtbare, aber respektvolle Trennung macht.
Während ihrer Beziehung spielte Willis Hauptrollen in Filmen wie Die Hard, Die Hard 2, The Last Boy Scout, Pulp Fiction, 12 Monkeys, Armageddon und The Sixth Sense. Moore wiederum war der Star von Ghost, A Few Good Men, Indecent Proposal, Disclosure und G.I. Jane, wodurch sie zu einer der bestbezahlten Schauspielerinnen ihrer Zeit avancierte.
Ihre Ehe fiel damit in die kommerziell erfolgreichsten Phasen beider Karrieren. Beide wurden regelmäßig als Hauptdarsteller in großen Studio-Produktionen besetzt, was dem Paar in den 1990er-Jahren eine außergewöhnlich hohe gemeinsame Box-Office-Power verlieh und sie zu einem der dominierenden Promi-Paare dieser Dekade machte.
Moore ist auch nach der Scheidung ein fester Bestandteil von Willis’ Familienleben geblieben, insbesondere seit der Bekanntgabe seiner Diagnose einer frontotemporalen Demenz. Ihr anhaltender Zusammenhalt stärkt rückblickend das Bild eines Power-Paares, dessen Bedeutung über reine Kassenerfolge hinausreicht.
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Bruce Willis und Demi Moore heirateten 1987 und ließen sich im Jahr 2000 scheiden. Sie haben drei gemeinsame Töchter und blieben auch nach dem Ende ihrer Ehe eng miteinander verbunden, was sie zu einem Beispiel für eine öffentlich sichtbare, aber respektvolle Trennung macht. Während ihrer Beziehung spielte Willis Hauptrollen in Filmen wie Die Hard, Die Hard 2, The Last Boy Scout, Pulp Fiction, 12 Monkeys, Armageddon und The Sixth Sense. Moore wiederum war der Star von Ghost, A Few Good Men, Indecent Proposal, Disclosure und G.I. Jane, wodurch sie zu einer der bestbezahlten Schauspielerinnen ihrer Zeit avancierte. Ihre Ehe fiel damit in die kommerziell erfolgreichsten Phasen beider Karrieren. Beide wurden regelmäßig als Hauptdarsteller in großen Studio-Produktionen besetzt, was dem Paar in den 1990er-Jahren eine außergewöhnlich hohe gemeinsame Box-Office-Power verlieh und sie zu einem der dominierenden Promi-Paare dieser Dekade machte. Moore ist auch nach der Scheidung ein fester Bestandteil von Willis’ Familienleben geblieben, insbesondere seit der Bekanntgabe seiner Diagnose einer frontotemporalen Demenz. Ihr anhaltender Zusammenhalt stärkt rückblickend das Bild eines Power-Paares, dessen Bedeutung über reine Kassenerfolge hinausreicht.
Ryan Reynolds und Blake Lively
Ryan Reynolds und Blake Lively lernten sich 2011 bei den Dreharbeiten zu Green Lantern kennen und heirateten im darauffolgenden Jahr. Aus der gemeinsamen Arbeit an einem Superheldenfilm entwickelte sich eine Ehe, in der beide ihre Karrieren auf sehr unterschiedliche, aber ebenso erfolgreiche Weise weiter ausbauten.
Reynolds feierte seine größten Kassenerfolge mit der Deadpool-Reihe, die das Superheldengenre mit schwarzem Humor und Selbstironie neu definierte. Lively war unter anderem in The Sisterhood of the Traveling Pants, The Town, The Age of Adaline, A Simple Favor und It Ends With Us zu sehen und etablierte sich als vielseitige Hauptdarstellerin in Dramen und Thrillern.
Im August 2024 belegte das Paar gleichzeitig die ersten beiden Plätze an den nordamerikanischen Kinokassen. Reynolds’ Deadpool & Wolverine erreichte den ersten Platz und überschritt weltweit die Marke von einer Milliarde Dollar, während Livelys It Ends With Us mit einem Start von 50 Millionen Dollar in den USA auf Rang zwei einstieg und damit einen starken Gegenpol zum Superheldenblockbuster bildete.
Ihre gemeinsamen Filmerlöse, geschäftlichen Aktivitäten und ihre große Präsenz in sozialen Medien haben sie zu einem der prominentesten zeitgenössischen Hollywood-Paare gemacht. Sie verkörpern ein modernes Power-Paar, das wirtschaftlichen Erfolg und öffentliche Inszenierung geschickt verbindet.
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Ryan Reynolds und Blake Lively lernten sich 2011 bei den Dreharbeiten zu Green Lantern kennen und heirateten im darauffolgenden Jahr. Aus der gemeinsamen Arbeit an einem Superheldenfilm entwickelte sich eine Ehe, in der beide ihre Karrieren auf sehr unterschiedliche, aber ebenso erfolgreiche Weise weiter ausbauten. Reynolds feierte seine größten Kassenerfolge mit der Deadpool-Reihe, die das Superheldengenre mit schwarzem Humor und Selbstironie neu definierte. Lively war unter anderem in The Sisterhood of the Traveling Pants, The Town, The Age of Adaline, A Simple Favor und It Ends With Us zu sehen und etablierte sich als vielseitige Hauptdarstellerin in Dramen und Thrillern. Im August 2024 belegte das Paar gleichzeitig die ersten beiden Plätze an den nordamerikanischen Kinokassen. Reynolds’ Deadpool & Wolverine erreichte den ersten Platz und überschritt weltweit die Marke von einer Milliarde Dollar, während Livelys It Ends With Us mit einem Start von 50 Millionen Dollar in den USA auf Rang zwei einstieg und damit einen starken Gegenpol zum Superheldenblockbuster bildete. Ihre gemeinsamen Filmerlöse, geschäftlichen Aktivitäten und ihre große Präsenz in sozialen Medien haben sie zu einem der prominentesten zeitgenössischen Hollywood-Paare gemacht. Sie verkörpern ein modernes Power-Paar, das wirtschaftlichen Erfolg und öffentliche Inszenierung geschickt verbindet.
Penélope Cruz und Javier Bardem
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Javier Bardem und Penélope Cruz arbeiteten erstmals beim spanischen Film Jamón Jamón aus dem Jahr 1992 zusammen. Eine romantische Beziehung begannen sie allerdings erst viele Jahre später; 2010 heiratete das Paar und wurde damit auch offiziell zu einem der bekanntesten Schauspielduos der Welt. Beide hatten bereits internationale Karrieren etabliert, bevor sie zu festen Größen in Hollywood wurden. Bardem gewann den Oscar als bester Nebendarsteller für No Country for Old Men, während Cruz den Oscar als beste Nebendarstellerin für Vicky Cristina Barcelona erhielt und damit ihren Durchbruch im angloamerikanischen Kino krönte. Im Jahr 2022 gehörten sie zu den wenigen Ehepaaren, die im selben Jahr für einen Schauspiel-Oscar nominiert waren. Bardem wurde für Being the Ricardos vorgeschlagen, Cruz für Parallel Mothers; für beide war es die jeweils vierte Nominierung. Damit festigten sie ihren Ruf als eines der renommiertesten Paare des internationalen Films. Ihre Platzierung beruht vor allem auf ihrer gemeinsamen Auszeichnungsbilanz, ihrer internationalen Reichweite und ihren dauerhaft erfolgreichen Karrieren im spanisch- und englischsprachigen Kino. Zusammen verkörpern sie den Brückenschlag zwischen europäischem Autorenfilm und Hollywood-Mainstream.
Goldie Hawn und Kurt Russell
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Goldie Hawn und Kurt Russell sind seit 1983 ein Paar, nachdem sie sich bei den Dreharbeiten zum 1984 erschienenen Film Swing Shift wieder begegnet waren. Später standen sie gemeinsam in Overboard sowie in The Christmas Chronicles und dessen Fortsetzung vor der Kamera, was ihren Status als beliebtes Leinwandduo weiter festigte. Hawn erhielt den Oscar als beste Nebendarstellerin für Cactus Flower und wurde für ihre Hauptrolle in Private Benjamin erneut nominiert. Zu Russells bekanntesten Filmen zählen Escape From New York, The Thing, Tombstone, Miracle und mehrere Teile der Fast & Furious-Reihe, in denen er seine Vielseitigkeit als Star von Action- und Genrefilmen unter Beweis stellte. Das Paar hat nie geheiratet. Hawn erklärte laut People, sie hätten sich bewusst dafür entschieden, ihre Unabhängigkeit zu bewahren und sich immer wieder aktiv füreinander zu entscheiden. Ihre Beziehung, die sich inzwischen über mehr als vier Jahrzehnte erstreckt, gehört zu den langjährigsten Partnerschaften zweier großer Hollywood-Stars.

Von Taylor und Burton bis Basinger und Baldwin: Die größten Hollywood-Power-Paare aller Zeiten.

Nur wenige Hollywood-Paare haben einen Moment erlebt wie den, den Tom Holland und Zendaya derzeit genießen. Ihre beruflichen Erfolge und ihre Beziehung stehen im Zentrum einer außergewöhnlichen Phase, in der sie sowohl an den Kinokassen als auch in der öffentlichen Wahrnehmung dominieren.

Das Duo war gemeinsam in zwei der größten Filme des Jahres 2026 zu sehen: Spider-Man: Brand New Day und Christopher Nolans The Odyssey. Brand New Day verbuchte laut Forbes den größten Kinostart in der US-Geschichte, während The Odyssey zu einem weiteren großen globalen Hit für Nolan wurde. Die Filme trugen dazu bei, dass die nordamerikanischen Kinokassen am Startwochenende des neuesten Spider-Man-Films im August einen Rekord aufstellten.

Der Erfolg festigte Holland und Zendayas Status als derzeit dominantes Hollywood-Power-Paar. Doch welche Platzierung erreichen sie im Vergleich zu den größten Filmstar-Konstellationen aller Zeiten? Diese Frage führt zu einem Ranking, das verschiedene Aspekte von Ruhm und Einfluss berücksichtigt.

Wie sich ein Hollywood-Power-Paar messen lässt

Es gibt keine endgültige Formel, um ein Hollywood-Power-Paar zu messen, und jedes entsprechende Ranking bleibt subjektiv. Für diese Liste berücksichtigten wir fünf Hauptfaktoren: den individuellen Starstatus der einzelnen Darsteller, die gemeinsame Box-Office-Power, Auszeichnungen und kritische Anerkennung, ihren Einfluss auf Popkultur und Medien sowie die Langlebigkeit und nachhaltige Bedeutung sowohl ihrer Karrieren als auch ihrer Beziehung.

Alle Filmhits von Steven Spielberg gerankt, vom schlechtesten bis zum besten

Dan Aykroyd & John Belushi Characters: Sgt. Frank Tree & Capt. Wild Bill Kelso Film: 1941 (USA 1979) Steven Spielberg
Platz 35: „1941“ (1979). Spielbergs beste Arbeiten ruhen stets auf einer formalen Strenge; folgerichtig ist sein schwächster Film zugleich sein wildester. Diese aberwitzige Satire über den Zweiten Weltkrieg, über einen Angriff eines japanischen U‑Boots auf Los Angeles, wirkt wie Saturday Night Live bei Dr. Strangelove – und das ist kein Kompliment: Gefühlt zeigt jede zweite Einstellung ein abstürzendes Flugzeug, ein einstürzendes Gebäude oder Schauspieler, darunter SNL-Urgesteine Dan Aykroyd und John Belushi. Gedreht nach dem Erfolg von „Close Encounters“ und vor „Jäger des verlorenen Schatzes“, dient er heute vor allem als offensichtlicher Tiefpunkt in einer Karriere, die sonst ihresgleichen sucht. © IMAGO / Allstar
Captain Haddock & Tintin Film: The Adventures Of Tintin: The Secret Of The Unicorn (2011) Director: Steven Spielberg
Platz 34: „Die Abenteuer von Tim und Struppi - Das Geheimnis der Einhorn“ (2011). Der erste Teil einer inzwischen aufgegebenen Trilogie ist ein wächsern aussehender Verrat an Hergés originalen Comics, ebenso wie an Spielbergs eigenen Indiana-Jones-Filmen. Der grundlegende Fehler war der Versuch, Tintin mit Motion-Capture-CG „real“ zu machen und seine Welt so reich zu füllen wie unsere: Die schlichte Eleganz von Hergés klarem Stil war stets untrennbar von Romantik und Nervenkitzel der Abenteuer. Das Ergebnis dieses Ansatzes – für den Produzent Peter Jackson zumindest einen Teil der Schuld trägt – war ein hölzernes Desaster mit deutlich weniger Charme als die französische animierte Tintin-Serie aus den 1990ern. © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/Paramount Pictures
Audrey Hepburn & Richard Dreyfuss Film: Always (1989) Director: Steven Spielberg 22 December 1989
Platz 33: „Always“ (1989). Diese herbstfarbene Romanze mit übernatürlichem Dreh zeigt den Meister der Gefühle von seiner emotional am wenigsten überzeugenden Seite. Als Remake von Victor Flemings kerniger Kriegsfantasie „A Guy Named Joe“ begleitet der Film einen wagemutigen – und bald toten – Löschflugzeugpiloten (Richard Dreyfuss), der aus dem Jenseits einen Protegé (Brad Johnson) unterschwellig anleitet, nur um hilflos mit anzusehen, wie dieser sich in seine Frau (Holly Hunter) verliebt. Trotz des zeitgenössischen Settings ist Always eine Rückbesinnung auf eine Ära des Filmemachens, die Spielberg verehrt; dennoch wirkt es eher wie die Arbeit einer Tribute-Band als das Werk des visionären Originals.  © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/AmblinxEntertainment
Sugarland Express USA 1974 Regie Steven Spielberg WILLIAM ATHERTON GOLDIE HAWN
Platz 32: „Sugarland Express“ (1974). Der 27-jährige Spielberg fand bei dieser schrulligen Verfolgungsposse noch in seinen Rhythmus – sein zweiter Spielfilm, aber der erste, der speziell für die Kinoauswertung gedreht wurde. Inspiriert von realen Ereignissen in Texas 1969 folgt er zwei Amateur-Gaunern, gespielt von Goldie Hawn und William Atherton, die einen Polizisten entführen, um ihren kleinen Sohn aus der Pflegefamilie herauszupressen. Inszeniert ist das mit der Effizienz eines jungen Mietregisseurs, doch der Stoff hat einen halb-satirischen Biss à la Coen-Brüder: Die Poplins werden zu einer skandalösen Berühmtheit, während Nachrichtenwagen und Zivilisten sich dem immer länger werdenden Konvoi von Streifenwagen anschließen. Am auffälligsten ist heute der Komponist: die erste Zusammenarbeit von Spielberg mit John Williams.  ©  IMAGO / United Archives
Dustin Hoffman Characters: Capt. Hook Film: Hook (USA 1991) Director: Steven Spielberg 08 December 1991
Platz 31: „Hook“ (1991). Der Ruf von „Hook“ als Fehlschlag ist nicht falsch – eine Prämisse, die so leichtfüßig ist wie ein älterer Peter Pan (ausgerechnet gespielt von Robin Williams), hätte nicht ganze zweieinhalb Stunden dauern müssen. Zugleich markiert der Film einen aufschlussreichen Wendepunkt: Danach steuerte der Meister der Familienfilme wie „ET“ und der „Indiana Jones“-Filme in Richtung erwachsenerer Gefilde zu steuern. Auch wenn er den behäbigen Rhythmus und Look vieler Hollywood-Fehlzündungen der 1990er hat, sind sowohl Williams als auch Dustin Hoffman als Peter und sein piratischer Widersacher gut besetzt, und einige Szenen machen noch immer emotional.  © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/TristarxPictures
THE LOST WORLD: JURASSIC PARK, Camilla Belle, 1997, Steven Spielberg
Platz 30: „Vergessene Welt: Jurassic Park“ (1997). Die großen Spielberg-Filme verbinden unauslöschliche Momente mit spannendem Erzählfluss. „Vergessene Welt“ hat erstere: etwa die berühmte Szene mit der rissigen Windschutzscheibe, während Julianne Moore und ihr Anhänger über einer Schlucht baumeln, oder Pete Postlethwaite, der sich im Jeep durch eine Pflanzenfresser-Herde schlängelt. Doch strukturell ist der Film unausgewogen, mit zu vielen Szenen, die austauschbar wirken. Der finale T‑Rex-Amoklauf durch die Vororte von San Diego (Ergebnis von Umschreibungen in letzter Minute) zerstörte zudem den beinahe neo-romantischen Zauber der Prämisse des Originals, wonach alles nur auf einer fernen Insel geschieht. Nicht furchtbar – aber neben dem Vorgänger eine niederschmetternde Enttäuschung.  © IMAGO/Universal/Courtesy Everett Collection
THE TERMINAL, Tom Hanks, Kumar Pallana, 2004, Steven Spielberg
Platz 29: „Terminal“ (2004). Gab es je einen Film, der von seiner Prämisse so vollständig erdrückt wurde wie dieses launige Drama, das vollständig in einer der wohl langweiligsten Umgebungen der Welt spielt? Der Titel machte es Kritikern fast zu leicht: Wortspiele über „tödlich langweilig“ (terminal dull) waren in der Berichterstattung allgegenwärtig. Doch die Geschichte eines staatenlosen modernen Schiffbrüchigen (natürlich gespielt von Tom Hanks), der sich im Flughafengebäude ein Leben aufbaut, das er wegen eines Staatsstreichs daheim rechtlich nicht mehr verlassen kann, ist ein leichtfüßiger Eintrag in Spielbergs Filmografie statt ein leichtgewichtiger. Es ist die Art von Stoff, der zu Frank Capra gepasst hätte, hätte er 9/11 erlebt und der USA als Schmelztiegel in einem neu misstrauischen Zeitalter salutieren wollen. © IMAGO/DreamWorks/Courtesy Everett Collection
Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull
Platz 28: „Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels“ (2008). Die gesamte Ausgangslage von Spielbergs und Harrison Fords Abenteuer-Revival – von Indys Entführung durch eine streng frisierte sowjetische Cate Blanchett bis zur majestätischen Aussicht auf einen riesigen Atompilz über einem Atomtestgelände in Nevada – gehört zum Besten, was das Franchise je zustande brachte. Und der Rest? Eher nicht. Dennoch ist die starke Grundidee – vom Zusammenprall der Paranoia des Kalten Krieges mit einer Alien-Verschwörung – durchgehend spürbar. Es ist ein Film mit Existenzberechtigung, mehr als man von Indy 5 (nicht von Spielberg inszeniert) sagen kann. Nur wird der anfängliche Schwung irgendwann von routinierten Verfolgungsjagden sowie unglaubwürdigen CG-Schwärmen aus Affen und Ameisen überflutet. © IMAGO/Capital Pictures
"Disclosure Day" (2026) Emily Blunt Steven Spielberg
Platz 27: „Disclosure Day“ (2026). Wie viele Filme Spielberg auch noch drehen wird: Dieser wattige Verschwörungsthriller fühlt sich wie ein großes Finale an, weil er so viele Ideen aus früheren Werken aufgreift. „Was wäre, wenn man „Close Encounters“ mit „Minority Report“ und „Krieg der Welten“ vermischt, mit etwas „A.I.: Künstliche Intelligenz“ und „ET“ obendrauf?“ klingt verlockend. Doch die Plotmaschine „Die Wahrheit muss ans Licht“, in der Josh O’Connor und Emily Blunt eine 70-jährige UFO-Vertuschung aufdecken wollen, verwechselt oft Befremden mit Staunen und Unschärfe mit Spannung. Trotzdem verblüffen die Geschmeidigkeit und Eleganz der Kameraführung immer wieder, ebenso eine atemberaubende Jagd zu Fuß, mit Auto und Eisenbahn, die daran erinnert, wie aufregend und mitreißend Blockbuster-Action sein kann.  © IMAGO/Cinema Publishers Collection
Djimon Hounsou Characters: Cinque Film: Amistad (USA 1997) Steven Spielberg
Platz 26: „Amistad - Das Sklavenschiff“ (1997). Spielbergs „Jurassic Park“ und „Schindlers Liste“ kamen beide 1993 heraus: ein wahnsinniges Jahr. Vier Jahre später folgte so etwas wie eine Doppel-B-Seite zu diesen beiden K.-o.-Schlägen: „Vergessene Welt“ oben und dieses ernste Gerichtsdrama des 19. Jahrhunderts, in dem eine Gruppe versklavter westafrikanischer Stammesangehöriger in den USA wegen Mordes angeklagt wird, nachdem sie ihre spanischen Entführer getötet haben. Wie Schindlers Liste ist es ein Film über die Bedeutung guter Taten in bösen Zeiten, wenn Matthew McConaugheys Anwalt die grundlegende Menschlichkeit von Djimon Hounsous Charakter Cinque und den Mitgefangenen verteidigt. Der Aufstand ist eindrucksvoll inszeniert, das Ensemble spielt solide – doch heute wirkt es wie ein Probelauf für ein Terrain, das Spielberg später mit weit mehr Sensibilität, Sicherheit und Schwung bearbeiten sollte.  © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/Dreamworks
Danny Glover & Whoopi Goldberg The Color Purple (USA 1985) Director: Steven Spie
Platz 25: „Die Farbe Lila“ (1985). Spielberg war von Anfang an offensichtlich ein ernsthafter Filmemacher, doch dies war sein erster – in Anführungszeichen – ernster Film: eine Adaption eines frisch preisgekrönten Romans von Alice Walker über das entbehrungsreiche Leben eines schwarzen Teenagers im Süden der Rekonstruktionsära. Schon durch das Thema ist das Ganze deutlich gesetzter und bemüht veredelter als seine frühen Blockbuster-Hits, und der noch junge Regisseur (Spielberg war 39) hatte noch nicht ganz heraus, wie man natürlich im Prestige-Modus arbeitet. Er entlockt jedoch Oprah Winfrey als der vielgeplagten Sofia eine starke Leistung und Whoopi Goldberg, damals neu auf der Leinwand, in der Hauptrolle der Celie, eine geradezu überwältigende.  © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/WarnerxBros.
The Post (2017) die verlegerin spielberg
Platz 24: „Die Verlegerin“ (2017). Dieser glatte journalistische Polit-Thriller über den Kampf der Washington Post im Jahr 1971, die brisante Pentagon Informationen veröffentlichen will, ist Spielberg der späten Phase in seiner unaufgeregt effizienten Form – nicht durchweg gut, aber auch nicht durchweg schlecht. Tom Hanks und Meryl Streep spielen Chefredakteur und Verlegerin, die mit Ethik, Logistik und Rechtsfragen der Enthüllung ringen, doch es ist Bob Odenkirk aus „Better Call Saul“, der als ergrauter Schreiber allen die Show stiehlt: Seine Recherchefähigkeiten und seine Menschlichkeit (ja, bei einem Journalisten) ermöglichen es ihnen schließlich, die Geschichte herauszubringen. Alle angedeuteten Parallelen zwischen der nervösen, hasserfüllten Nixon-Regierung und dem Trump-Weißen-Haus der ersten Amtszeit sind selbstverständlich beabsichtigt.  © IMAGO/Capital Pictures
Jeremy Irvine Characters: Albert Film: War Horse (USA/UK 2011) Director: Steven Spielberg
Platz 23: „Gefährten“ (2011). In „Die Fabelmans“ aus dem Jahr 2022 – noch deutlich weiter unten – hat Spielbergs junger, angehender Filmemacher-Alter-Ego eine kurze, aber schicksalhafte Begegnung mit dem großen Regisseur des Goldenen Zeitalters, John Ford. War dieser glorreiche Moment (eine Version davon ist tatsächlich passiert) Spielbergs dreiminütige Verbeugung vor dem mürrischen alten Meister, dann war „Gefährten“ die Spielfilm-Version davon: ein aufrichtiges Epos des Ersten Weltkriegs im folkloristischen Ton, voll romantischer Bildkompositionen, die Ford sicher gefallen hätten. (Auf den Horizont achten.) Nach dem Roman von Michael Morpurgo ist es weniger ein konventioneller Kriegsfilm als eine warmherzige Geschichte für alle Altersgruppen über einen Jungen und sein geliebtes Pferd. Unter diesen Vorzeichen funktioniert der Film ziemlich gut.  © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/Disney
THE BFG, directed by Steven Spielberg and based on Roald Dah
Platz 22: „BFG: Big Friendly Giant“ (2016). Diese gutmütige Adaption eines deutlich bissigeren Roald-Dahl-Lieblings wurde (zumindest Kritikern) als Wiedervereinigung von Spielberg mit der verstorbenen Drehbuchautorin Melissa Mathison verkauft, die Jahrzehnte zuvor „E.T.“ für ihn geschrieben hatte. An diese frühere Zusammenarbeit reicht der Film nicht heran, doch ist er besser, als sein mittelmäßiger Ruf und sein Einspielergebnis vermuten lassen. In einem zärtlichen, großväterlichen Ton macht Spielberg Dahls schräge Prämisse zu seiner eigenen: Mark Rylances Riese ist vor allem ein Brauer von Träumen, die jungen, einsamen Seelen wie der verwaisten Sophie (Ruby Barnhill) Trost spenden, die er im Mondlicht ins Riesenland entführt. Technisch ist es ein Wunder – Rylance liefert die reichste Motion-Capture-Leistung seit Andy Serkis’ Gollum – doch in jeder anderen Hinsicht ist es ein Kinderfilm aus einer früheren Zeit, zugleich tröstlich und rätselhaft. © IMAGO / Cinema Publishers Collection
Christian Bale Empire Of The Sun (USA 1987) Director: Steven Spielberg
Platz 21: „Das Reich der Sonne“ (1987). Dieses eindrucksvolle Epos über den Zweiten Weltkrieg, in dem ein britischer Expat-Junge aus der Shanghaier Gesellschaft in ein japanisches Internierungslager gerät, war ein frühes Beispiel für Spielbergs Fusionsküche: Sein jugendlicher Appetit auf Spektakel wird von einem sehr erwachsenen Gefühl dafür geprägt – und gebrochen –, Geschichte vor den eigenen Augen geschehen zu sehen. Von Tom Stoppard nach einem semi-autobiografischen Roman von JG Ballard adaptiert, begann das Projekt als David-Lean-Film, was wiederum erklärt, was Spielberg zunächst als Produzent daran reizte: Mit einem dritten „Indiana Jones“-Film in Aussicht, bot sich dem rasch reifenden Regisseur die Chance, im Stil seiner geistigen Vorfahren zu arbeiten. Unvorstellbar, dass es ohne seine großartige Besetzung so gut geworden wäre: Der 13-jährige Christian Bale spielt Jamie in der quälenden Internierung, als wäre sie die definitive Coming-of-Age-Geschichte des 20. Jahrhunderts – und vielleicht war sie das. © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/WarnerxBros.
Dennis Weaver Film: Duel (TV-Film) Steven Spielberg
Platz 20: „Duell“ (1971). Spielberg drehte sein Spielfilmdebüt fürs Fernsehen, doch es war so erfolgreich, dass Universal den 24-jährigen Wunderknaben zusätzliche Szenen drehen ließ, um den Film weltweit in die Kinos zu bringen. Ein verheißungsvolleres Debüt, oder eines, das perfekter skaliert ist, kann man sich kaum wünschen: ein makellos schlanker, bösartiger „Was-würdest-du-tun?“-Thriller, in dem Dennis Weavers Charakter von einem psychopathischen Truckfahrer über staubige kalifornische Highways und Nebenstraßen gejagt wird. Die Kargheit der Prämisse lässt den Schrecken in den Köpfen des Publikums keimen – eine Lektion, von der der junge Spielberg vier Jahre später enorm profitieren sollte, bei einem gewissen Film mit einem Hai.  © IMAGO/Universal Television/AF Archive/MaryxEvans
BRIDGE OF SPIES, Tom Hanks, Spielberg
Platz 19: „Bridge of Spies - Der Unterhändler“ (2015). Spielbergs 2010er waren teils geprägt von einem plötzlichen Interesse an Stoffen, die chronologisch erzählt werden – Politik, Ermittlungen, dem Verfolgen von Spuren. Dieser im Berlin des Kalten Krieges angesiedelte Thriller, in dem Tom Hanks’ Anwalt einen Gefangenenaustausch mit der UdSSR aushandelt, ist das archetypische Beispiel: reif und zurückgenommen, stilistisch an das Nachkriegshollywood erinnernd, wobei Spielbergs meisterhafte Kompositionen jeder Einstellung eine subtile Spannung verleihen. Hanks und Mark Rylance als sowjetischer Maulwurf sind ideale Komplizen, mit Darstellungen, die perfekt auf die gekühlt-capraeske Stimmung ihres Regisseurs abgestimmt sind. © IMAGO/Walt Disney Co./Courtesy Everett Collection
Ready Player One (2018) - filmstill Ready Player One (2018) Tye Sheridan
Platz 18: „Ready Player One“ (2018). Als Ready Player One 2018 herauskam, wirkte es für viele von uns wie ein Chaos. Warum um alles in der Welt sollte der „Back to the Future“-DeLorean in einem Straßenrennen gegen das Cyberbike aus Akira, King Kong und einen T‑Rex antreten? Angesichts dessen, wohin sich Kino und Videospiele in den dazwischenliegenden acht Jahren entwickelt haben, ist es höchste Zeit, dieses geschmeidige Spektakel, das „Matrix“ überbietet, als das anzuerkennen, was es immer war: eine Prophezeiung. Im Zeitalter des Tech Bros – hier verkörpert von Mark Rylance als Wonka-trifft-Zuckerberg-Silicon-Mogul – wird der Popkultur-Schutt der Kindheiten von Millennials und Gen X sich offenbar ewig selbst auffressen. Warum also nicht die Gabel nehmen und zugreifen?  © IMAGO/Jaap Buitendijk/Capital Pictures
Harrison Ford, Jonathan Ke Quan & Kate Capshaw Characters: Indiana Jones, Short Round
Platz 17: „Indiana Jones und der Tempel des Todes“ (1984). Boshaft, makaber, unerfreulich – und geeignet, Vor-Teenagern bleibende psychische Narben zu verpassen: Ist Tempel des Todes nicht ein Riesenspaß? Der zweite Indy-Film (wenn auch der erste in der internen Chronologie) tauscht den draufgängerischen Klassizismus von „Jäger des verlorenen Schatzes“ gegen eine irrwitzige Geisterbahnfahrt durch das Versteck eines indischen Todeskults, der Kindersklaven antreibt. Die düstere Laune wird oft Autor George Lucas zugeschrieben, der während der Produktion eine teure Scheidung durchmachte. Spielberg sagte später selbst, er bereue die Gemeinheit. Doch zwischen Affenhirnen und Kate Capshaws Kreischen staunt man ständig über die Regie: Der Shanghai-Nachtclub-Prolog, die Verfolgungsjagd in der Lore und das Finale auf der Seilbrücke zählen zu den besten Themenpark-Momenten der Kinogeschichte.  © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/Lucasfilm
Film Title: Catch Me If You Can.
Platz 16: „Catch Me If You Can“ (2002). Oben geschniegelt, unten heimtückisch: Spielbergs komödiantisches Hochstaplerdrama, angesiedelt in den 1960ern und im hellen, beschwingten Stil der Zeit gedreht, passt geistig perfekt zu seinem Thema. Es geht um Frank Abagnale Jr., einen Serien-Hochstapler, gespielt von Leonardo DiCaprio, der sich als Pilot, Arzt und sogar als Kollege jenes FBI-Agenten (Tom Hanks) ausgibt, der ihn schnappen und seinem Treiben ein Ende setzen will. Wenige würden das als großes Spielberg-Werk einordnen – es ist nicht einmal der beste Film, den er in diesem Jahr herausbrachte (siehe weiter unten) –, doch er ist hervorragend gespielt und aufgebaut, mit Einstellungen von so beiläufiger Intelligenz, dass man vom Stuhl kippt. Dass dies irgendjemandes 16.-bester Film sein kann, ist absurd.  © IMAGO/Image courtesy Ronald Grant Archive Mary Evans
The Fabelmans (2022) Michelle Williams as Mitzi Fabelman
Platz 15: „Die Fablemans“ (2022). Dieses Porträt des Künstlers als junger Mann mit Filmkamera ist der filmische Schlüssel, der Spielbergs gesamtes Œuvre aufschließt. Stark von seiner eigenen Kindheit und Jugend inspiriert, wurde es von Spielberg und seinem langjährigen Mitarbeiter Tony Kushner geschrieben und zeigt den fiktionalisierten Stellvertreter des Regisseurs, Gabriel LaBelles Sammy Fabelman, wie er mit der unvollkommenen Ehe seiner Eltern zurechtkommt, während er als Filmliebhaber und Filmemacher zu sich selbst findet. Kino wird zur Ablenkung, zur Verzauberung, zu einer Art, die kleinen Traumata und Veränderungen des Lebens zu verarbeiten – die einem Kind (oder Erwachsenen) dennoch riesengroß erscheinen können. Die Besetzung von David Lynch als John Ford ist dabei ein Geniestreich, und Sammys herrlich knappe späte Begegnung mit diesem doppelten Titanen, versetzt ihn ebenso wie das Publikum in ein reines Cinephilen-High. © IMAGO/CAP/TFS
Sean Connery & Harrison Ford Indiana Jones And The Last Crusade
Platz 14: „Indiana Jones und der letzte Kreuzzug“ (1989). Wenn „Jäger des verlorenen Schatzes“ der reinste Abenteuerfilm ist, der je gedreht wurde, dann ist dieser hier vielleicht der wärmste – dank der unbezahlbaren Ergänzung von Sean Connery als Indys Vater Henry Jones Sr. Das verwandelt die übliche Schatzsuche (diesmal nach dem Heiligen Gral) in ein komisches Vater-Sohn-Psychodrama im Höchsttempo. Die typischen Stuntsequenzen sind erneut herausragend – die unerbittlich geniale achtminütige Panzerjagd ist so gut, wie die Indy-Filme nur sein können, und das heißt etwas. Doch es ist das Spielen mit Gefühlen – Connerys Schmerz, als er denkt, seinen Sohn verloren zu haben, nur um diesen gleich darauf aus der Schlucht klettern zu sehen und mit ungläubigem Blick, Umarmung und einem leisen „Ich dachte, ich hätte dich verloren, Junge“ zu empfangen –, was die Szene so dauerhaft besonders macht. © IMAGO/Mary Evans/AF Archive/Lucasfilm
MINORITY REPORT USA 2002 Regie Steven Spielberg TOM CRUISE
Platz 13: „Minority Report“ (2002). Trotz seiner Vorliebe für Hollywood-Klassizismus war Spielberg nie ein Film-noir-Typ. Doch sein wohl einziger Ausflug in das Genre – eigentlich vertrauteres Terrain, nämlich Science-Fiction und der Verfolgungsfilm – gehört zu den besten, ganz zu schweigen von den weitsichtigsten Werken des 21. Jahrhunderts. Weitsicht passt allerdings zu einem Film nach einer Novelle von Philip K. Dick, in dem Tom Cruises Polizeichef, spezialisiert auf „Precrime“ – also das Verhindern von Taten, bevor sie geschehen –, von den Vorhersagesystemen seiner eigenen Abteilung als künftiger Mörder markiert wird. Spielberg nutzt Cruises Starpower und die Tücke von Dicks Prämisse voll aus und integriert seine Schauspieler aus Fleisch und Blut besser als 99 Prozent der seither gedrehten Blockbuster mit allerlei digitalen Effekten. ©  IMAGO / United Archives
THE WAR OF THE WORLDS TOM CRUISE, DAKOTA FANNING
Platz 12: „Krieg der Welten“ (2005). In diesem sträflich unterschätzten Werk der mittleren Karrierephase schenkte Spielberg dem frühen 21. Jahrhundert einen maßgeschneiderten Blockbuster-Albtraum: eine neue Lesart von HG Wells’ paranoidem Sci-Fi-Klassiker, gefiltert durch die psychischen Trümmer der Anschläge vom 11. September. Dazu der fortschreitende Zerfall brüchiger Familienstrukturen, die er seit den 1970ern (und laut The Fabelmans schon viel früher) mit der Kamera verfolgte. Trotz außerirdischer Bedrohung ist der Blickwinkel auffallend häuslich: Tom Cruise muss sich als entfremdeter Vater blitzschnell zusammenreißen, um seine Kinder durch eine einst vertraute Landschaft zu manövrieren, die plötzlich furchterregend und unbegreiflich ist. Einer von Spielbergs Kunstgriffen ist, Menschen nicht in schreienden Massen fliehen zu lassen, sondern herumstehen zu lassen – starr vor Angst und Verwirrung: Die neue Ordnung ist da, und keiner von uns kann so recht verarbeiten, was sie ist. © IMAGO/2004 Paramount Pictures/All Rights Reserve Ronald Grant Archive Mary Evans
MÜNCHEN Munich USA 2005 Steven Spielberg Robert MATHIEU KASSOVITZ ERIC BANA
Platz 11: „München“ (2005). „Am Ende davon gibt es keinen Frieden“, sagt Eric Banas Mossad-Agent in der letzten Szene von München – eine Zeile, die heute genauso hart trifft wie 2005. Und das in den kommenden Jahren zweifellos weiter tun wird. Bei Erscheinen war dies Spielbergs umstrittenster Film, und das ist er bis heute: ein furchtlos nuancierter, moralisch fesselnder Rachethriller über die Entführung und Ermordung israelischer Athleten bei den Olympischen Spielen 1972 durch palästinensische Militante und die anschließende israelische Geheimoperation, um die Verantwortlichen auszuschalten. Doch die Suche nach Gerechtigkeit setzt weiteres Grauen und Blutvergießen frei: Es ist eine Mission, bei der Gewinnen bedeutet, noch mehr zu verlieren, und die monströse, unausweichliche Ungerechtigkeit dessen ist etwas, mit dem der Film sein Publikum ringen lässt.  © IMAGO / United Archives
Schindlers Liste SCHINDLER S LIST USA 1994 s w Regie Steven Spielberg
Platz 10: „Schindlers Liste“ (1993). Spielberg glaubte ursprünglich nicht, der Aufgabe gewachsen zu sein, dieses Holocaust-Epos zu inszenieren: Nach Thomas Keneallys Roman über den realen deutschen Industriellen, der 1.200 polnische Juden vor den Vernichtungslagern rettete. Nachdem er Universal vom filmischen Potenzial überzeugt hatte, versuchte er erfolglos, es an Roman Polanski und Sydney Pollack weiterzugeben – und dann an Martin Scorsese, der das Angebot annahm, woraufhin Spielberg erkannte, dass er den Film dann doch lieber selbst drehen wollte. Später meinte sogar Scorsese, es sei die richtige Entscheidung gewesen: Mit atemraubender Souveränität und einer moralischen Klarheit inszeniert, die ins Herz sticht, bewies der Film endgültig, dass Hollywoods Blockbuster-König auch bei den verheerendsten Stoffen ein großer Filmemacher ist. Dass er ihn weniger als sechs Monate nach „Jurassic Park“ kinofertig hatte, ist kaum zu glauben.  © IMAGO / United Archives
Lincoln (2012) - Daniel Day-Lewis
Platz 9: „Lincoln“ (2012). Ist das womöglich der am wenigsten zynische moderne Film über Politik, der je gedreht wurde? Ja oder nein (das Feld ist nicht groß), doch Spielberg macht hier aus dem nicht gerade filmtauglichen Geschäft des Lobbyierens packendes Kino: ein Procedere über fachkundige Führung, in dem Stimmen gezählt und nachgezählt, Gefälligkeiten getauscht, Zugeständnisse herausgehandelt und Gewissesbisse angestoßen werden. Im Zentrum steht die Verabschiedung eines Zusatzartikels, der die Sklaverei in den Vereinigten Staaten beendet – eine persönliche Mission des 16. US-Präsidenten, den Daniel Day-Lewis mit kantiger Körperlichkeit und virtuos leichter Exzentrik unauslöschlich spielt. © IMAGO/CAP/KFS
CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND, Cary Guffey, Melinda Dillon
Platz 8: „Die unheimliche Begegnung der 3. Art“ (1977). Als dieses Science-Fiction-Drama, das eine Generation prägte, in die Kinos kam, war es erst zwei Jahre her, dass „Der weiße Hai“ (dun-dun, dun-dun) der Welt gezeigt hatte, wohin die Karriere seines Schöpfers gehen würde. Unheimliche Begegnung wiederholt das – nur, dass das große Unbekannte hier nicht aus den Tiefen des Wassers in die Vorstadtnormalität drängt, sondern aus dem Himmel. Richard Dreyfuss kehrte als Elektroingenieur zurück, der sich nach einer schicksalhaften Begegnung mit einem UFO auf ein Bergplateau fixiert, das noch von interplanetarer Bedeutung sein wird. Der Film zeigt eine der kraftvollsten Darstellungen der kindlichen Perspektive auf das verstörende Rätsel der Erwachsenenwelt: Dreyfuss’ zunehmend verstörte Kinder sehen zu, wie er sein Kartoffelpüree entschlossen zu etwas formt, das niemand im Raum begreifen kann. © IMAGO / Everett Collection
SAVING PRIVATE RYAN, Tom Sizemore, Tom Hanks, 1998
Platz 7: „Der Soldat James Ryan“ (1998). Fast alles, was über Spielbergs monumentales D‑Day-Epos geschrieben wurde, fixiert sich auf den Auftakt, in dem das Publikum Seite an Seite mit den alliierten Truppen am Omaha Beach landet. Das ist nachvollziehbar – die Sequenz definierte den Kriegsfilm für immer neu –, spielt aber oft die Brillanz dessen herunter, was danach kommt: ein klassisches Männer-auf-Rettungsmission-Drama nach alten Mustern, doch gefilmt, geschrieben und gespielt mit einer Offenheit, die schmerzhaft modern ist. Es war die erste Zusammenarbeit des Regisseurs mit Tom Hanks, dessen Captain John H. Miller ein Ensemble führt, in dem es schlicht kein schwaches Glied gibt. Was Spielberg anfangs anzog – und was den Film zu einem Spielberg-Film macht –, ist jedoch das komplexe Ringen mit der furchtbaren moralischen Gleichung, die nicht zu lösen ist: Wie kann es je richtig sein, mehrere Leben zu riskieren, um nur eines zu retten? © IMAGO/DreamWorks/Courtesy Everett Collection
Jurassic Park (1993)
Platz 6: „Jurassic Park“ (1993). Jurassic Park war (und ist) ein Kulturphänomen von brontosaurischem Ausmaß, sodass man leicht vergisst, wie schlank dieser Sommer-Blockbuster ist. Seine 127 Minuten sind velociraptor-schnell: Es gibt keinen überflüssigen Atemzug, geschweige denn eine unnötige Szene. Der Zuschauer ist quasi in der ersten Besuchergruppe in Richard Attenboroughs prähistorischem Resort: Zunächst staunen alle und dann werden alle auf unterschiedliche Weise von genetisch wiedererweckten Bewohnern gejagt und verschlungen. Die Prämisse von Michael Crichtons Romanvorlage – was, wenn dystopische Sci-Fi-Technologie auf die Freizeit der amerikanischen Kernfamilie losgelassen wird? – ist im Grunde Spielberg hoch zwei, während die noch immer erstaunliche Mischung aus praktischen und digitalen Effekten die Dinosaurier realistischer erscheinen lässt als alles, was das Kino seitdem hervorgebracht hat.  © IMAGO/CAP/KFS
West Side Story (2021) - filmstill Ariana DeBose as Anita and David Alvarez as Bernardo
Platz 5: „West Side Story“ (2021). Dass Spielbergs neue Kino-Adaption des wohl größten Broadway-Musicals der Geschichte nicht sofort und einhellig als Meisterwerk gefeiert wurde, ist eines der seltsamsten Rätsel des zeitgenössischen Kinos. Es ist so offensichtlich die Arbeit eines Meisters auf schwindelerregender Höhe, und doch wirkt alles so beglückend mühelos – als würde der Film aus sich selbst heraus explodieren, so wie seine zentrale Nummer America, die aus den San-Juan-Hill-Slums in einem ungebremsten Strom aus Musik und Tanz auf die Straßen Manhattans schwappt. Ja, er ist sogar besser als die (ebenfalls fantastische) Verfilmung von 1961: Puristen wie Banausen behaupten weiterhin das Gegenteil, doch wie Oscar-Gewinnerin Ariana DeBoses Anita vielleicht singen würde: Smoke on your pipe an put that in (Komm damit klar).  © IMAGO/Capital Pictures/Niko Tavernise
RAIDERS OF THE LOST ARK, Harrison Ford as Indiana Jones, 1981.
Platz 4: „Jäger des verlorenen Schatzes“ (1981). Es ist ironisch, dass Raiders of the Lost Ark heute oft als Beweisstück A in der „So etwas machen sie heute nicht mehr“-Debatte dient, denn zum Zeitpunkt der Veröffentlichung sagte Spielberg mit dem Film genau das auch selbst. Ähnlich wie Star Wars, jene andere Erfindung von George Lucas, war Indiana Jones eine Rückbesinnung auf die Mantel-und-Degen-Filme der 1930er und 1940er Jahre. Doch unter Spielbergs unvergleichlich souveräner und witziger Regie wird jedes Klischee und jedes ausgelutschte Motiv des Abenteuerfilms auf das Niveau von Kunst gehoben: Atemlos aufregend, statt kitschig ist es, dass Indy in Schlangengruben fällt, vor rollenden Felsbrocken flieht und versucht, einen Nazi-Plan zu vereiteln, die Bundeslade zu stehlen. Es ist vielleicht ein perfekter Blockbuster, wie er seither nicht mehr gedreht wurde. © IMAGO/Paramount/Courtesy Everett Collection
JAWS, Susan Backlinie, 1975 Courtesy Everett Collection
Platz 3: „Der weiße Hai“ (1975). Damals konnte das niemand wissen, auch weil alle zu sehr auf die Gewinne starrten. Doch Spielbergs dritter Spielfilm – ein geschichteschreibender Hit über die Jagd dreier Männer auf einen menschenfressenden Hai – war der erste, der alles zeigte, was an seinem persönlichen Stil so fesselnd ist. Ganz zu schweigen von den typischen Fixierungen und Macken, die sein über 50-jähriges Schaffen prägen sollten, die noch vor ihm lagen. Es ist ein Frontalzusammenstoß zwischen Vorstadtnormalität und den Schrecken des Unbekannten dahinter. Hier in der Form des Meeres und der sonnigen Insel Amity, in die Roy Scheider, Robert Shaw und Richard Dreyfuss aufmachen müssen, um dieses kleine Stück amerikanischen Lebens vor einer uralten, beinahe mythischen Bedrohung zu schützen.  © IMAGO/Courtesy Everett Collection
E T the Extra Terrestrial Scene Still © 1982 Universal Los Angeles CA U
Platz 2: „E.T. - Der Außerirdische“ (1982). Habe ich oben behauptet, Die Fabelmans sei der filmische Schlüssel zu der Psyche dieses Regisseurs? Entschuldigung, Entschuldigung – es ist tatsächlich dieser hier. E.T. lässt Spielberg in seine eigene schwierige Kindheit zurückreisen und ihre Traurigkeiten auf die denkbar Spielberg’sche Weise tröstlich zu stimmen: indem er einen liebenswerten Alien einführt, der eine Freundschaft mit Henry Thomas’ verlorenem, einsamem Elliott schließt, einem Vorstadtjungen, der unter der Scheidung seiner Eltern leidet. Zärtlich und magisch, zugleich aber immer entschlossen, seinen jungen Protagonisten auf Augenhöhe zu begegnen – sogar optisch – man schaue auf die Kameraposition auf Kinderaugenhöhe. Das Ergebnis ist ein Meisterwerk des Kindheitskinos, auf einer Stufe mit Satyajit Rays Pather Panchali und Francois Truffauts The 400 Blows. © IMAGO/Cinema Publishers Collection
Haley Joel Osment, A.I. Artificial Intelligence (2001).
Platz 1: „A.I.: Künstliche Intelligenz“ (2001). Weniges illustriert Spielbergs breites Spektrum so sehr, wie seine Doppelpack-Jahre: Welcher andere Regisseur hätte sowohl Jurassic Park als auch Schindlers Liste drehen können? Geschweige denn im selben Zwölf-Monats-Zeitraum? Doch es gibt einen Fall, in dem alles, was er am besten kann, in einem einzigen Film zusammenfindet: Pop-amerikanischer Futurismus, klassischer Hollywood-Stil, nervenaufreibende Dramaturgie, anklagende Reflexionen über Liebe und Menschlichkeit. Frei nach einer Kurzgeschichte von Brian Aldiss und ursprünglich für die Leinwand von Stanley Kubrick entwickelt, ist diese Geschichte von Haley Joel Osments Androidenjungen David, der sich danach sehnt, menschlich zu werden und dadurch geliebt zu werden, das ultimative Spielberg’sche künstlerische Statement. Die Kraft des Films wächst, je älter man wird und begreift, dass die zentrale Prämisse – dass Liebe das Leben überdauert – alles andere als Science-Fiction ist. © IMAGO/David James/Warner Bros.

Rubriklistenbild: ©  IMAGO / United Archives International

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